Es ist Vorweihnachtszeit, und die Filmverleiher verschenken schon mal Sperrfristen. Zu mindestens drei Filmen ist auf der Einladung zur Pressevorführung derzeit notiert, daß man aber vor dem soundsovielten gefälligst nichts berichten dürfe. Hier sei schon mal die entsprechende Erklärung zur Unterschrift. Das hatten wir nun schon mehrfach in diesem Blog, und daß es nun u.a. auch einen Film trifft, der sowohl deutsche Geschichte als auch Tom Cruise enthält, mag schon zu denken geben.

Allein an den – ersten Reaktionen nach (via) – erwartbar schlechten Kritiken kann’s ja nicht liegen, da wird den Medien schon auch viel Schlechteres und viel weniger Beworbenes und Erwartetes (und erwartbar finanziell Erfolgreiches) dennoch ohne Sperrfrist vorgesetzt, ohne daß das entsprechende Studio Schaden nimmt.

Viel eher ist zu erwarten, daß – und ich wage jetzt einfach mal eine Vorhersage – wenige Tage vor Ende “Veröffentlichungs-Embargos” für Texte über Operation Walküre in der FAZ ein Text von Frank Schirrmacher erscheinen wird, der in Form einer hymnischen Lobpreisung die Macher, insbesondere den neuen Retter Deutschlands, Tom Cruise, portraitieren und für ihren Mut belobigen sowie den Film in aller Form zur letztgültigen Deutung der betroffenen Historie hochschreiben wollen wird.

Sie Leben! – They Live!

“Life’s a bitch. And she’s back in heat.”

Großer Weltverschwörungs-Außerirdischen-Sozialkritik-Trash von John Carpenter, der erstaunlicherweise wirklich gut funktioniert. Der Hauptdarsteller ist ein Ex-Wrestler, der bis heute im B- und C-Segment beschäftigt ist. Sie Leben! macht ganz ungeniert und campy von der Vorgeschichte seines Darstellers Gebrauch. Nicht nur darf der Mann als Bauarbeiter mit bloßem Oberkörper Sand schippen und seine Muskeln präsentieren. Es gibt auch noch eine dramaturgisch weitgehend überflüssige Prügelszene, samt sehr alberner Wrestling-Moves. Die Szene, etwa eine Stunde nach Filmbeginn zu sehen, dauert ewige Minuten und wurde, den imdb-Trivia zufolge, von den beiden Darstellern selbst arrangiert. Carpenter ließ die Szene drin, was nicht unbedingt der größte existierende Beweis für seine ästhetische Treffsicherheit ist.

Für einen lauen Bierabend taugt der Film allemal, nicht zuletzt wegen mindestens zweier One-Liner des Protagonisten, die zwar überhaupt nicht zur Handlung passen, aber unbedingt zitierfähig sind. Sehr komisch ist im Übrigen auch, wie der Versuch grandios scheitert, den Protagonisten (der keinen Namen hat, deshalb hier immer diese Benennung) zugleich als bedächtig und als draufgängerisch-heldenhaft zu charaktisieren.

Und die Aliens sind hübsch anzusehen.

Ticker

Ich dachte wirklich einmal, Steven Seagal wäre nicht so schlecht wie sein Ruf. Aber dieses seltsame Stück Zelluloid aus dem Jahr 2001 bewies mir kürzlich versehentlich im Nachtprogramm das Gegenteil: Er hat präzise einen Gesichtsausdruck, mit dem er besorgt, entschlossen oder martialisch guckt. Um feststellen zu können, was im Einzelfall zutrifft, gibt’s ja glücklicherweise den Handlungskontext.

Bzw. eben nicht. Ticker ist ein Potpourri der schlecht gemachten Versatzstücke, der egalen Plotelemente und fiesen Logikbrüche. Was Dennis Hopper hier verloren hat, ist nicht ganz klar, außer natürlich: den fiesen Bombenbauer aus Speed aufs schwächlichste wieder aufzunehmen. Jaime Presslys Rolle ist hingegen viel klarer umrissen, sie darf abwechselnd ein bißchen zwielichtig und ziemlich unschuldig gucken und zwischendrin vor allem ihren Bauchnabel in die Kamera halten.

Das ist allemal besser als Seagals Gesichtsausdruck ertragen zu müssen, ist aber noch lange kein Grund, sich den Film anzusehen. Und andere gibt es auch nicht.

Das Problem vieler schwächerer Thriller ist ja, daß sie fulminant und vielversprechend beginnen und ihnen dann im Lauf des Films das Tempo, die Ideen und die Bilder ausgehen. Am Ende bleibt dann keine Spannung mehr übrig, sondern vor allem die Sehnsucht nach einem, irgendeinem Ende. Der französische Thriller The Snake (Kostenloser Servicehinweis für die Filmwirtschaft: Englische Verleihtitel für französische Filme haben eine leicht alberne Note) hat allenfalls das umgekehrte Problem: Er läuft eine lange Weile so gemächlich dahin, daß so mancher Zuschauer vielleicht gar nicht erst bis zum knalligen Ende dabeibleibt.

Zunächst einmal geschieht also zwar viel, aber wie das zusammenhängt und warum, das offenbart sich erst ab etwa der Hälfte des Films – bei unserer ersten Sichtung im französischen Original waren wir uns schon sehr unsicher, ob wir nicht etwa entscheidendes schlichtweg sprachlich verpaßt hatten. (Der Mangel an Untertiteln auf der DVD tat sein Teil zu unserer Unsicherheit dazu.)

Plender (Clovis Cornillac) erpreßt anscheinend gern ältere Herren, die sich auf erotische Abenteuer mit jungen Frauen einlassen – seine Gehilfin Sofia (Olga Kurylenko, die schon für Hitman (Kritik) nackt posierte und sich demnächst James Bond in die Arme werfen wird) lotst die Männer dazu in mit Kameras präparierte Wohnungen. Weiterlesen »

Was mich an Timur Bekmambetovs Wanted am meisten irritiert hat und mir im Gedächtnis geblieben ist, ist die ungebremst misanthrope Haltung, die der Film ausstrahlt und die wohl das Erbe ausmacht, das der Film aus seiner Vorlage noch mitgenommen hat.

Denn anders als der Film dreht sich die Wanted-Comicreihe von Mark Millar und J.G. Jones (Infos; wohlfeil in einem Band zu erwerben) keineswegs um eine Bruderschaft von Auftragskillern (Auftraggeber: der Webstuhl des Schicksals, the loom of fate, I kid you not); stattdessen wird der Loser Wesley von der schönen Fox nicht unbedingt freundlich darüber informiert, daß sein Vater Mitglied einer Gruppe richtig widerlicher Bastarde war – und er jetzt an seine Stelle rücken kann. Als solcher erwirbt er nicht nur eine Lizenz, sondern einen Freibrief zum Töten, und nutzt seine neu gewonnenen Möglichkeiten sofort, um alte Feinde aus Schulzeiten ebenso umzubringen wie Mädchen, bei denen er mal abgeblitzt ist. Was er “wirklich will”, so Fox, das solle er lernen, und manchmal sei das eben, jemanden umzubringen.

Der Comic ist die zynische Variante der Geschichte vom Loser, aus dem dann (Auftritt: schöne Frau) plötzlich doch noch etwas wird; eine Art Matrix ohne Computer und moralische Grenzen. Es geht dann noch ein bißchen weiter mit Superhelden und Superbösewichtern, aber das spielt für den Film schon lange keine Rolle mehr. (Und bestimmt ist es kein Zufall, daß das Stoffgewebe (des Schicksals!) seine eigene Matrix bildet, Wesley aber, der den Webschlitten im Flug stoppen kann, längst nicht mehr Teil dieses Gewebes ist, sondern von außen daraufblickt und es manipulieren kann. Aber ich schweife ab.) Weiterlesen »

Wenig Happy Endings hatte Rainer Stefan für dieses Fantasy Filmfest versprochen – zur Zeit seien die Mangelware, das Festival etwas ernsthafter als in den vergangenen Jahren, schon vom Auftaktfilm an. Auch heute wurde ich mit glückseligen Schlußmomenten nicht eben verwöhnt, aber das paßt dann ja vielleicht ganz gut. Für mich waren’s heute die letzten drei Filme, das sehe ich ein bißchen mit Wehmut, man gewöhnt sich ja daran, quasi im Kino zu wohnen.

Shuttle

Gruselgeschichten vom letzten Bus, in dem man dann allein mit dem Busfahrer, und der Busfahrer ist gar nicht so nett… gehören wohl zu den hartnäckigen Urban Legends. Shuttle variiert das Thema mit einem Flughafenbus, der nicht ganz die Richtung nimmt, die er sollte. Daraus wird dann ein Abzählreimfilmchen ohne allzu große Ambitionen und Überraschungen (die erwartbaren Schockeffekte und Plottwists treten meist auch ein), das aber dennoch ganz gut funktioniert und nur im mittleren Drittel ein wenig Beschleunigung vertragen könnte. Aber so ein Shuttlebus ist ja kein Rennauto.

Mad Detective

So richtig erwärmen konnte ich mich für diesen asiatischen Polizeifilm mit Wahrnehmungsstörung nicht. Der Polizist Bun konnte zwar dank seiner, äh, unorthodoxen Methoden und der Fähigkeit, in andere Menschen hineinzublicken, viele Fälle lösen, ist aber nach einem Vorfall, der ihm eine Ohrprothese einbrachte, aus dem Polizeidienst ausgeschieden worden. Nun aber bittet ihn ein junger Polizist, ihm bei der Suche nach einem verschwundenen Polizisten zu helfen. Johnnie Tos Sparrow hat mir auf der letzten Berlinale sehr gut gefallen, aber die Eleganz und die spielerische Inszenierung vermisse ich hier. Zwar ist der Film durchaus recht lustig, aber interessiert hat mich die Geschichte zu keinem Zeitpunkt wirklich.

The Brøken

Spiegel sind auch so ein Thema dieses FFF – in Mad Detective offenbaren sie sonst nicht Sichtbares, und in Mirrors werden sie vermutlich (hehe, super Scherz!) auch eine gewisse Rolle spielen. Schließlich haben Spiegel und Kameras ein gewissermaßen naturgegebenes Liebesverhältnis – beide arbeiten mit Abbildern, in denen wir uns erkennen (sollen und wollen) und doch nie uns selbst sehen – sondern immer nur das Bild. The Brøken macht daraus eine solide Geschichte mit Körperfresser-Elementen, die durchweg sauber, wenn auch, vom Ende her gesehen, nicht völlig konsequent inszeniert ist. Außerdem spielt Lena Headey die Hauptrolle, die ich gerade in den Sarah Connor Chronicles ganz toll fand, die auch in Die Girls von St. Trinian eine kleine Nebenrolle spielt, und die ansonsten noch viel zu viel unterhalb meines Wahrnehmungsradars war.

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Langsam schleicht sich Erschöpfung in meine Knochen. Gestern brauchte ich erst einmal Pause bis 19 Uhr, auch zum Schreiben – neue Langkritiken sind jetzt online von Awake, Midnight Meat Train und Repo! The Genetic Opera. Heute sehe ich noch ein paar letzte Filme; ab morgen nehme ich mir eine Auszeit zur Erholung.

The Strangers

Hochgradig reduzierter und effektiver Thriller, der seine Spannungs- und Schockmomente vor allem über das Visuelle und übers Sounddesign erzeugt. Im Grunde passiert nicht viel: Ein Paar kommt nach Hause, drei Fremde erwarten sie und spielen Versteck- und Prügelspielchen. Gesprochen wird nicht viel, und im Grunde passiert auch die meiste Zeit nicht viel Schreckliches. Daß das nicht nötig ist, um zu fesseln und zu ängstigen, sagt viel darüber aus, wie geschickt der Film gemacht ist.

Virus Undead

Gewisse Hoffnungen durfte man sich vielleicht doch machen: Ein deutscher Horrorfilm! Das könnte was werden! War’s aber nicht. Die Story um zombieartige Aggressionsausbrüche bei Menschen, die mit einer Vogelgrippenvariante infiziert wurden, ist ja sowas von mindestens 28 Tage zu spät. Noch dazu kommt es mit eher lauen Splattereffekten und digital mehr schlecht als recht eingefügten Vögeln. Auch fangen die Schauspieler ab etwa der Mitte des Films an, sehr seltsame Sachen zu sagen, die sich aus dem bisherigen Geschehen heraus nicht herleiten lassen. Spätestens da hätte ich gehen sollen. Schade. Zombies auf dem ostdeutschem Land, das hätte was sein können; und Potential hätte der Film durchaus.

It’s Alive

Nominell ist das wohl ein Remake von Larry Cohens Die Wiege des Bösen (It’s Alive) von 1974, de facto wohl eher eine Variation auf das Grundthema: Neugeborenes Baby entpuppt sich als menschenfressendes Monstrum. Ein guter Tip also für Elternschaftsparanoiker, die sich hier vollständig bestätigt fühlen dürfen.

Der Film changiert zwischen äußerst ernsthaft inszenierten Thrillerszenen und eher albernem Splatter; je länger die Mutter dem mörderischen Treiben ihres Kindes allerdings zusieht, umso weniger glaubwürdig wird der Film. Denn Mutterliebe allein scheint dafür wirklich keine ausreichende Erklärung zu sein, und der Vater ist, scheint’s, blind und taub und doof. Am Schluß ist man froh, es hinter sich gebracht zu haben.

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Weil sich meine Pläne für die nächsten Tage komplett geändert haben, sieht auch mein FFF-Programm jetzt ganz anders aus. Mal sehen, was noch geht… Gestern ging (in aller Kürze, heute ist noch viel zu tun, Waschmaschine läuft):

L’Auberge Rouge/The Red Inn

Fröhliche Komödie in einem nicht wirklich historischen akkuraten Setting in den Pyrenäen irgendwann nach der Französischen Revolution. Zwei Wirtsleute nebst Kindern meucheln ihre Gäste und leben davon ganz gut. Leider wird eine neue Straße gebaut, die den Weg an ihrem Gasthaus vorbei obsolet macht, und deshalb wollen die beiden noch einmal richtig abräumen, als eine Gruppe wohlhabender Reisender vorbeischaut.

Das ist sehr albern, aber erstaunlich lustig, zumal der Film nicht auf puren Slapstick oder Zoten vertraut, sondern den Humor aus den Figuren und aus den Situationen heraus entwickelt. Wird bis zum allerdings etwas hinausgezogenen Schluß kaum langweilig.

Awake

Es ist wohl ein rechter Albtraum, während einer Operation narkotisiert aber hellwach und schmerzempfindlich zu sein. Allein aus den Schmerzen ließe sich wahrscheinlich ein wahrhaft furchterregender Film machen, aber dazu müßte man natürlich wissen, wie man das inszeniert. Das weiß Joby Harold nicht so genau, aber das Thema Schmerzen ist dann auch, obwohl das in der Filmlogik nicht besonders konsequent ist) schnell abgehakt – hier geht es um eine ganz andere Geschichte, die sich dem Patienten (Hayden Christensen, der offenbar sogar ein bißchen spielen kann) aus dem Geschehen um den OP-Tisch offenbart. Dummerweise weiß man mit ein bißchen Filmerfahrung schon allzu bald, wohin der Hase läuft, und dann dauert es noch eine ganze Weile, bis die anderen es auch alle kapiert haben. Und, jetzt mal ehrlich: Jessica Alba allein ist auch kein hinreichender Grund, sich den Film anzusehen.

Let The Right One In

Zweifellos der bisher beste Film des (meines) Festivals; eine präzise fotografierte, subtile Coming-of-Age-Geschichte, die eher zufällig auch eine Vampirgeschichte ist. In der trocken-realistischen Welt von Let The Right One In (zu Weihnachten als So Finster Die Nacht auch bundesweit im Kino) wirken die Fähigkeiten des Vampirs Eli umso intensiver, sie dominieren den Film aber zu keinem Zeitpunkt. Stattdessen geht es ein bißchen ums Erwachsenwerden, vor allem aber um Freundschaft, Vertrauen und wie es ist, ein Außenseiter zu sein. Atemberaubend schön.

Dance Of The Dead

Gerade wenn man denkt, nur stereotype Trashgenrekost vorgesetzt zu bekommen, dreht einem so ein Film eine lange Nase. Dance Of The Dead ist nicht nur unterhaltsam, sondern streckenweise sogar sehr, sehr lustig, jedenfalls für Zombiefans. Der Splatterhumor ist treffend, die Inszenierung ausreichend albern und die Charaktere herzergreifend überzogen. Der Film ist so zugleich Neubelebung der Splatterkomödie als auch Hommage an die Highschool-Komödien der 80er Jahre; nicht von ungefähr hat man zuweilen das Gefühl, deren Protagonisten seien hier noch einmal wiederbelebt worden. Untot oder lebendig, je nachdem.

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Like A Dragon

Bunt geht’s zu in Tokio, brutal und durchweg durcheinander. Ein junges Pärchen findet Gefallen am Stehlen und zieht mit Gesichtsmaske und Messer durch die kleinen Läden der Stadt. Ein frisch entlassener Yakuza findet seinen Boss nicht mehr, wohl aber reichlich Leute, die ihn verprügeln wollen. Zwischendrin sucht ein Mädchen seine Mutter, und ein koreanischer Killer sammelt Informationen. Flott ist das, sogar spaßig, wenn man absurde Schieß- und Prügelorgien lustig finden kann, aber inhaltlich und sonstwie ist das alles ziemlich egal und darf schnell wieder vergessen werden.

Jack Brooks, Monster Slayer

Sagen wir’s direkt: Trash vom Feinsten. Jack Brooks ist sicher kein Film für einen differenziert nachdenklich gestalteten Abend, feiert aber mit Freude das gute, alte Monsterkino, als die Biester noch aus Latex waren (nicht aus Pixeln), unter dem ein Mensch schuftete und schwitzte. Der Held ist ein jungenhafter Installateur mit traumatischer Kindheit und einem echten Problem beim Anger Management. Das erweist sich im Umgang mit menschenfressenden Ungetümen als durchaus sinnvoll anwendbarer Charakterzug. Die unwichtigste, aber dennoch beantwortete Frage des Films: Will he get the girl? (Besprechung in der New York Times)

My Name is Bruce

Wo Jack Brooks nostalgisch Trash (und sehr explizit auch die Evil-Dead-Filme) feiert und nachbaut, blickt Bruce Campbell, der Held von My Name is Bruce, erstmal ziemlich frustriert auf seine B-Movies zurück. Er dreht sie noch immer, und sie werden nicht besser. Gerade dreht er “Cave Aliens 2″, da treten die Bewohner des Städtchens Gold Lick an ihn heran, die ein Problem mit einer sehr wütenden chinesischen Gottheit haben. Ob der Held so vieler Monsterfilme ihren persönlichen Unhold vielleicht rasch mal zurück unter die Erde bringen könnte?

Bruce müht sich redlich, und hinein kommt in diese von Campbell selbst inszenierten Klamotte neben der eher simplen Geistergeschichte noch etwas Satire auf den Starkult und seine Protagonisten; heraus kommen einigermaßen unterhaltsame 90 Minuten ohne bemerkenswerten Mehrwert. Glücklicherweise geht der Regisseur mit seinem Star (also sich selbst) nicht allzu zimperlich um.

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Acolytes

Hier ist viel Einsamkeit: Die Figuren dieses Films stehen gerne alleine im Bild herum. Natürlich heißt das auch, daß sie einander entfremdet sind, das Emotionen hier eine wacklige Angelegenheit sind; leider macht sie all das nicht unbedingt sympathisch oder tragisch, sondern hinterläßt vor allem ein Gefühl allgemeiner Kälte, daß dem Interesse am Film nicht eben zuträglich ist.

Was jetzt schlechter klingt, als es ist, denn handwerklich ist der wirklich gut gemacht, und die SchauspielerInnen sind mehr als überzeugend. Acolytes bleibt aber zu sehr auf Distanz zu seinen Figuren und seiner eigenen Story, der zudem nach einer Weile ein wenig die Puste ausgeht.

Sasori

Eine nur allzu klassische weibliche Rachegeschichte, asiatisch-blutig und ausgetragen mit Schwert, Faust, Fuß und nur gelegentlich auch Schußwaffen. Die Heldin kehrt anscheinend unbeschadet von den Toten zurück, nachdem sie vorher im Gefängnis durch das Beschauen von Kämpfen zwischen ihren Mitinsassinnen die rechten Schwünge und Knüffe gelernt hat. Versteht sich von selbst, daß die Kämpfe in weitgehend unbekleidetem Zustand und auf schlammbedecktem Boden durchgeführt werden. Warum das so ist, weiß man allerdings nicht, und es spielt auch keine Rolle. Immerhin ist die Woman-on-Woman-Gewalt hier kompromißlos und frei von aller Dead-Or-Alive-Harmlosigkeit.

Dorothy Mills

Schon wieder Naturbilder, dachte ich am Anfang; wie Acolytes beginnt auch Dorothy Mills mit ein paar ausgedehnten Totalen schöner Natur. Hier ist’s halt nicht die australische Provinz, hier ist der Schauplatz eine irische Insel, auf der Religiosität noch was bedeutet. Irgendwie weiß man schon, daß Religion und Wahnsinn im Film gemeinsam gerne in seltsame Richtungen wanken, aber dieser Film um eine junge Frau mit multipler Persönlichkeitsstörung versteht es vorzüglich, seine finsteren Absichten eine ganze Weile versteckt zu halten. Allein das Ende hätte vielleicht ein wenig weniger Schmalz verdient.

Doch sei’s drum: Carice van Houten (zuletzt gesehen in Paul Verhoevens Black Book) als Psychiaterin mit Vergangenheit und Jenn Murray als Dorothy Mills liefern hier eine überzeugende Leistung ab. Hardcore-Horrorfans werden hier gleichwohl ein wenig enttäuscht werden. Das Blut, das fließt, gehört vor allem geschlachteten Tieren.

The Midnight Meat Train

Am Ende dreht sich erst einmal alles im Kopf, so bröselig-blöde übersteuert scheint das Finale zu sein, oder vielleicht ist es die Szene kurz vorher, in der die Kamera viel zu schnell horizontal um einen fahrenden U-Bahn-Wagen kreist, in dem sich zwei Männer auf Leben und Tod mit Hammer und Klingen verdreschen… man weiß es nicht. Die Kamera hängt sich jedenfalls viel an die New Yorker Metro in diesem Film, klebt an den Waggons oder läßt sie vorbeirasen, immer knapp am Objektiv vorbei – aber das wird rasch redundant, und Herzklopfen will sich nicht so richtig einstellen.

Einmal wird’s richtig spannend, aber das ist ein gutes altes Vor-dem-Mörder-Versteckspiel, das mit Kamerafahrten durch die Kulissen effektiv Spannung erzeugt. Die Handlung ist dagegen viel weniger effektiv, reduziert oder auch nur stringent. (Beim Verfilmen einer Kurzgeschichte ist es zuweilen sinnvoll, sich an den Wortbestandteil “Kurz” zu erinnern.) Stattdessen mäandert sie ein bißchen durch die ach so verrottende Stadt (auch das so eine Behauptung, die der Film in seinen pittoresken Verfallsbildern nicht wirklich einlösen kann), während die Figuren verschiedentlich Dinge tun, deren Motivation sich auch im Nachhinein nicht recht erschließen mag.

(Und: meine Kritik von Eden Lake ist online.)

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Wir sind die Versuchskaninchen. Das war in nuce die Ankündigung des Festivalteams zum Start des Fantasy Filmfests in Berlin: Denn am “ersten” Festivalort muß vieles noch erprobt werden, sind manche Filme noch nicht da (oder gar fertig – Lady Blood wird wohl nur als HD-Vorfassung zu sehen sein.

Aber egal. Die Auftaktvorstellung war voll, wenn auch mit nicht ganz so vielen schwarzgekleideten Menschen besetzt wie bei anderen Vorstellungen üblich. Das war dann erwartungsgemäß bei Repo! schon anders, während sich in die JCVD-Vorstellung ein paar FFF-unerfahrene Van-Damme-Fans verloren hatten, die dafür mit Applaus begrüßt wurden. Hier ist man offen für alles: Der beste Film aller Zeiten für Rainer Stefan, Leiter des FFF? Bambi.

Ich meinerseits habe es etwas ruhiger angehen lassen als geplant, man muß ja auch mal essen, schlafen, arbeiten und drüber schreiben – dafür stehen heute und morgen auch eine ganze Reihe von Filmen auf meinem Programm. Hier erste kurze Eindrücke, längere Texte folgen.

Eden Lake

Eine sehr dichte Variation des Backwood-Slashers auf die reale britische Gegenwart, mit einer beeindruckenden (und beeindruckend schönen) Hauptdarstellerin, aber nicht weniger brillanten KinderdarstellerInnen. Ausführliche Besprechung schon ganz bald. ist da.

Repo! The Genetic Opera

Leider kenne ich die Bühnenfassung dieses Splattermusicals nicht – das sollte man bei Gelegenheit nachholen. Der visuelle Stil liegt irgendwo zwischen Steampunk, Emo, S/M und Krankenschwesterporno, während die Musik von Bombastrock über Industrial bis Japanpop nicht weniger eklektisch durch die Gegenwartsmusik hechelt. Zwischendrin gibt’s Comiceinlagen, weil man das heutzutage so macht, aber Spaß macht es trotzdem. Ernstnehmen kann man dieses Jahr 2057 sowieso nicht, dafür hat Paris Hilton ihre beste Filmrolle ever. Und Gutelaunerock gibt’s auch:

JCVD

Als Charakterdarsteller ist Jean-Claude Van Damme bisher nicht besonders aufgefallen, und seine besseren Filme (ja doch, Hard Target) hat er wahrscheinlich auch besseren Regisseuren (ja doch, John Woo) zu verdanken. Die BelgierInnen, seine Landsleute, mögen das anders sehen – das jedenfalls ist wiederholt Thema in dieser seltsamen Thrillerkomödie, die weder richtig spannend noch richtig lustig ist, aber dennoch nie langweilig oder ernst wird. Van Damme spielt sich hier selbst, wie er in einer belgischen Kleinstadt auf einmal mitten in einem Banküberfall steckt – das scheint ein Thema des FFF dieses Jahr zu sein, Helden des Genrekinos mit ihren Fans zu konfrontieren. Bei My Name is Bruce wird das wohl großer Trash, hier ist das eher ernsthaft gemacht, mit einem großen Theatermonolog für den alternden Star.

(Fotos: Fantasy Filmfest)

Der Deutsche Journalisten-Verband und die Süddeutsche Zeitung beschweren sich unisono und zurecht über die seltsamen Knebelverträge, die Constantin Film JournalistInnen aufdrücken will, die eine Vorfassung von Der Baader Meinhof Komplex zu sehen bekommen wollen.

Nun ist das einigermaßen bizarr; denn ich kann mir kaum vorstellen, daß Journaille-Horden permanent den Constantin’schen Firmensitz belagern, um möglichst rasch einen Blick aufs Zelluloid erhaschen zu können; dafür sind wir eigentlich für gewöhnlich zu beschäftigt. Stattdessen soll ja die Vorführung Publicity generieren, sonst braucht man sie nicht zu machen, und den JournalistInnen dann den Mund zu verbieten, ist, obwohl’s anscheinend legal ist, schon ziemlich frech. Mit Strafen im fünfstelligen Eurobereich zu drohen, ist ein Skandal.

Daraus kann man, auch aus den von Thomas treffend benannten Gründen, eigentlich nur einen Schluß ziehen: die Berichterstattung zu diesem Film komplett verweigern. Ich schließe mich daher Thomas’ Aufruf an – von mir kriegt der Film jedenfalls keine Zeile. Ich habe auch wirklich Interessanteres zu tun.

Die einzige Alternative zum Boykott hat Lukas schon ausgelotet: Er verrät einfach die ganze Filmhandlung.

(für den lieben M., dem ich den Abend, wenn nicht versaut, so doch zumindest zerrissen habe)

Im Grunde muß man über The Dark Knight nicht mehr viel schreiben und sagen, die Kritiken sind jetzt schon so zahlreich und so durchweg positiv, daß man nur bestätigen kann: Ja, ein richtig, richtig guter Film.

Und der beste Superheldenfilm seit Spider-Man, vor allem aber der bessere Spider-Man 3. Dort sollte die Spaltung in Gut und Böse sich ganz innerhalb der Person von Peter Parker und seinem eifersüchtigen, gewalttätigen Alter Ego abspielen. Das führte nicht nur zu einer ziemlich gedrängten Erzählung, in der auch noch zwei Spidey-Gegenspieler ab- und durchgenudelt werden mußten, es war auch insgesamt weniger überzeugend bis lächerlich. Das war umso bedauerlicher, als der erste Spider-Man gerade dort am besten war, wo er sich nur mit der inneren Spannung seiner Hauptperson beschäftigte.

In The Dark Knight sind Gut und Böse nun fein säuberlich getrennt, mit Batman hier und dem Joker dort – “You complete me” gurrt er einmal, und weiß genau, daß auch Batman nur durch ihn komplett ist. Das trifft den entscheidenden Punkt bestürzend genau: Ohne solche Bösewichter ist Batman eine völlig uninteressante Figur.

Sein Gerechtigkeitssinn, der sich in Batman Begins vor einer allerdings sonst ziemlich faden Geschichte entwickeln durfte, ist hier so vollständig und letztlich unangreifbar, daß seiner schwarzen Kevlarrüstung kein Schillern abzugewinnen ist. (Daß Christian Bale ihn so regungslos spielt und als Batman auch nur von Nasenunterkante bis Kinn zu sehen ist, macht es nicht besser.) Stattdessen sind es, wie ein amerikanischer Rezensent schrieb, die Szenen mit dem Joker, auf die man wartet. Und es sind diese Szenen, die hängen bleiben, weil sie nachdrücklich bestürzend und beängstigend sind. Weiterlesen »

Lang besprochen:

Mamma Mia! – Filmkritik bei critic.de

Freche Mädchen – Filmkritik bei critic.de

Kurz besprochen:

Next (2007)

An der Stelle, wo bei mir ansonsten das Gehirn sitzt, habe ich bei Filmen mit Nicolas Cage aus unbekannten Gründen einen Soft Spot – so auch bei Next. Dabei ist, Philip hin, K. Dick her, die Geschichte nach Abhandlung der Grundidee wenig aufregend, und relativ schnell hat man auch kapiert, was das für Möglichkeiten und Variationen bietet: Flashforwards statt Flashbacks. Nicht-Erschießbar ist der Hauptdarsteller außerdem.

Trotzdem ist das insgesamt ganz unterhaltend, weil es insgesamt flott vorangeht, und natürlich spielt Jessica Biel mit, die man gerne anschaut, auch wenn der Film selbst nicht vollkommen überzeugt. Wie etwa mit der Schlußpointe, für die man sich auch etwas anderes hätte einfallen lassen können.

Die Älteren unter uns werden sich erinnern: Die Pressevorführungen von Krieg der Welten, diesem gräßlichen Tom-Cruise-Vehikel, durfte nur besuchen, wer vorher unterschrieb, die Kritik nicht vor einem bestimmten Datum zu veröffentlichen. Anders ausgedrückt: Ein Maulkorb.

Natürlich ist das nicht ungewöhnlich, auch für Literaturrezensionen gibt es meist Sperrfristen der Verlage – soweit ich weiß, werden diese aber nie mit ausdrücklichen Strafandrohungen und trullala verbunden. Jetzt ist es mal wieder soweit: Die meisten Sex and the City-Reviews werden wohl erst in einer Woche am 28. Mai eintrudeln.

Und unabhängig von der Frage, ob solche Knebelverträge auch etwas über die Qualität der (nicht) zu besprechenden Filme aussagen (ich vermute: leider ja), würde ich gerne wissen:

Dürfen die das? Und könnte man wirklich belangt werden, wenn man die Freiheit der Presse in Anspruch nimmt und seinen Text vorher publiziert?

Das wirklich überraschend unterhaltsame an dem schön trashigen Zombie Strippers ist, bei aller ziemlich platten Exploitation, die man dem Film schon im Titel ansieht, daß man eben doch nicht genau das bekommt, was man erwartet, sondern etwas ein bißchen anderes.

Etwas ausführlicher habe ich das für blairwitch.de zu fassen versucht.

Hostage – Entführt (2005)

Seit wann eigentlich ist die Weißblende ein hinreichendes filmisches Mittel, um psychischen Schmerz darzustellen? Wann immer hier Bruce Willis wieder einmal mit Leid und seinem Trauma konfrontiert wird – bei einer Geiselnahme ging alles schief, und auch ein kleines Kind kam ums Leben – verdreht er die Augen, und das Bild verschwindet in einem Meer aus Weiß. Ist okay, dabei zeigt er in diesem Film gelegentlich durchaus, daß er durchaus in der Lage ist, Emotionen zu transportieren.

Das ist insofern egal, weil man sich hier nie für irgendjemanden interessiert – nicht für die Täter, nicht für die Opfer der natürlich kathartischen Doppelgeiselnahme, durch die Willis’ Figur hindurchwandern muß, um am Ende jedenfalls sicher nicht glücklicher als vorher zu sein. Für ein Willis-Vehikel ist der Film auffallend düster geraten, aber letzten Ende bleibt der Film vor allem: egal.

Anamorph – Die Kunst zu töten (2007)

Nach der Besprechung in der New York Times hatte ich wirklich ein bißchen Lust auf diesen Film und nahm es als gutes Omen, daß, zwei Tage nachdem ich nur gedacht hatte “Ich sollte um eine Rezensions-DVD bitten”, sie schon bei mir im Briefkasten lag – wohlgemerkt ohne Nachfragen meinerseits beim Verleih. Ich finde, daß mehr Produktionsfirmen ihre Bestellungen auf Gedankenübertragung umstellen sollten.

Mit gewissen Hoffnungen habe ich den Film also am Samstag jetzt gesehen, die sich sicherlich auch auf Willem Dafoe und die auf der Leinwand viel zu selten gesichtete Clea DuVall richteten – aber, ach, die Lust an einer detaillierten Kritik ist mir rasch vergangen. Zu sehr legte sich bleierne Langeweile über meine Augenlider. Es liegt nicht mal unbedingt an Dafoe und wohl auch nicht an DuVall, die vielleicht fünf Minuten Screentime hat.

Der Film, eine eigentlich nicht mal doof gedachte Serienmörderstory, zieht sich einfach unglaublich zäh dahin; viele Einstellungen sollen die Verlorenheit und Einsamkeit von Dafoes Figur deutlich machen, die man aber schon nach wenigen Szenen mit Dafoe kapiert hat – wofür engagiert man einen solchen Schauspieler, wenn man seinen Fähigkeiten dann nicht traut? Auch visuell ist das alles sehr ambitioniert und gar nicht einmal schlecht gemacht, aber davon hat man halt wenig, wenn einem die Augen zufallen.

Auch macht der Film letzten Endes nichts aus seinem Bösewicht, und auch nichts aus dem Grundthema, das Mord als ein Kunstwerk betrachten will – und irgendwie auch mit der Kunstgeschichte in Verbindung bringen will. Da sind wiederum die Ambitionen groß, dem Drehbuch fällt zu seinen eigenen Ideen dann aber nichts Gutes ein. Und so geht es dann auch zu Ende.

(ab 6. Juni im Verleih, ab 11. Juli im Verkauf)

(Direkttrailer)

Insgesamt ein etwas unklarerer Monat als der Januar…

• Bester Film im Februar:
  Be Kind Rewind (Kritik folgt), aber Ratatouille war auch ziemlich gut
• Schlechtester Film im Februar:
  Läßt sich so genau nicht bestimmen.
  John Rambo war richtig fies,
  Kung Fu Kun wirklich langweilig, aber das waren Jumper und Step Up 2 The Streets auch
• Rachefilm des Monats:
  Hard Candy
• Taschendiebfilm des Monats:
  Sparrow
• Tanzender Zombie:
  Fido

Ansonsten: Irgendwann nachts ging das neue critic.de online. Wir waren zu erschöpft, um wirklich glücklich zu sein, aber es war was geschafft.

(Mehr Filmkritik)

Aus dem Pressematerial zu John Rambo, wahrlich kein Pflichtprogramm für Cineasten:

Durch seine Mischung aus deutschen und indianischen Vorfahren hat Rambo eine äußerst robuste körperliche Kondition, ist aber emotional traumatisiert [...]

• Bester Film im Januar (um Längen):
  Juno (Kritik folgt)
• Schlechtester Film im Januar (um Längen):
  Asterix bei den Olympischen Spielen
• Wackeligster Monsterfilm (aller Zeiten):
  Cloverfield
• Pathetischer Naturfilm des Monats:
  Into the Wild

(Mehr Filmkritik)

Es gibt so Tage, ach, Wochen, an denen ärgere ich mich, daß ich Filme so liebe, daß ich es liebe, über Filme zu schreiben, so sehr, daß ich’s sogar für kein Geld mache (offers, anyone?), bei all dem Halb-, Dreiviertel- und Vollschrott, den man da oft zu sehen bekommt, zuweilen nur das.

Manchmal sind dann gute, schöne Momente dazwischen – und gelegentlich, weil in dieser Brillanz so selten, funkelt auf einmal ein kleiner harter, sehr komischer, vollkommener, leuchtender Diamant in der Gegend herum.

Juno ist ein großartiger Film. Ließ das Leben gestern heller leuchten. Ab 20. März im Kino und jeden Tag des Wartens wert. (Vorher gibt’s hier irgendwann eine vor Lobpreisungen nur so triefende Kritik. Das Script zum Film kann man sich zur Zeit hier als PDF abgreifen.)